Paseo musical: el Barroco (audición del Aria en Re Mayor BWV 1068, de J. S Bach)

J. S. Bach (1685-1750)

imageDurante su vida, Johann Sebastián Bach (1685-1750) fue conocido principalmente como organista, y como compositor lo eclipsaron sus hijos. No obstante, a fines de siglo XVIII, sus obras musicales vocales, corales, para teclado e instrumentales, tanto sacras como seculares, fueron redescubiertas por un público nuevo y más apreciativo, que admiró su calidad y espíritus únicos. Desde entonces su estela no ha dejado de crecer.

Su estilo muestra un conocimiento profundo de la progresión armónica y del complicado contrapunto barroco; en vida fue considerado el mejor contrapuntista de la historia. Sus estudios tempranos de órgano facilitaron un profundo entendimiento de la fuga y del estilo cerebral y denso del norte de Alemania. Más tarde, se interesó por el concierto italiano, la obertura y la suite de baile francesas, y lo sintetizó en un estilo único.

Irónicamente, sus hijos Carl Philipp Emmanuel y Johann Christian Bach fueron los compositores que ganaron importancia como representantes líderes del nuevo estilo.

A su muerte, su música fue sinónimo de estilo antiguo, hasta su progresiva recuperación y valoración después de unos setenta y cinco años.

  • ¿En qué parte del Barroco cabe situar a J. S. Bach?
  • ¿Qué periodo comprende?
  • ¿Cómo definirías el estilo de Bach? ¿Resulta “fácil” escuchar su música?
  • ¿Cuánto tiempo se ha de esperar hasta que la música de Bach se reconoce de forma generalizada? A ti, ¿te suscita alguna reflexión?

“El único propósito y razón final de toda música debería de ser la gloria de Dios y el alivio del espíritu”

Johann Sebastian Bach

Audición: “Aria” de la Suite orquestal en Re

El segundo movimiento es para cuerda sola y es uno de los más célebres de toda la música. Se ha abusado tanto de él que parece que exista el peligro de trivializarlo. Se ha tocado en bodas y otras ceremonias, sacando partido de su mezcla de lirismo y solemnidad, aliados a su sobreaña belleza. ¿Quién no conoce esta “Aria de la Suite en Re”? Se ha adaptado al piano, al órgano, al violín, al vioonchelo, se ha cantado… Pero ¡qué difícil resulta verter en toda su pureza! La melodía, en dos secciones que se repiten ambas, tiene una línea tan simple que la menor deformación puede dar al traste con todo su valor. Es este un punto en que coinciden la interpretación de Bach y la de Mozart.

  • Intérprete: The Amsterdam Baroque Orchestra
  • Estilo:
  • Instrumentación:
  • Tempo:
  • Compás:
  • ¿Qué carácter tiene la pieza?
  • Fíjate en la primera nota tenida del violín; simultáneamente, atiende al dibujo que realizan los violonchelos; ¿cómo definirías la textura de la pieza que se ha escuchado?
  • A ti, ¿qué te aporta?

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Manuscrito del inicio de la Suite en Sol M para violonchelo solo de J. S. Bach

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El Romanticismo: audición de la “Serenata”, lied de Schubert

 Romanticismo

El romanticismo emergió a finales del siglo XVIII en el arte y la literatura, y algo más tarde en la música. Los románticos rechazaban las limitaciones de las convenciones clásicas, ya que la originalidad era esencial para ellos. Ensalzaban lo emocional e instintivo y buscaban en la naturaleza su inspiración.

El romanticismo fue una época de extremos en la que los compositores miraban al pasado, aunque sin las convenciones clásicas y con lenguajes y formas nuevos, atrevidos y armónicos.

El romanticismo puede reivindicarse como “redescubierto” de la música del pasado, liberando tesoros musicales que hasta ese momento habían quedado ocultos, animándose a interpretar música anterior y a usar antiguos materiales y formas.

Cabe remarcar también las conexiones que los compositores románticos mantuvieron con otras disciplinas: mientras que los músicos anteriores habían tendido a concentrarse exclusivamente en su arte, los románticos alternaban sus actividades, como por ejemplo la crítica, novela, ensayos, libretos, etc.

El instrumento “rey” en este periodo es sin duda el piano, por las posibilidades técnicas y expresivas que ofrecía.

La música del romanticismo siempre ha tenido un gran público gracias a su rica creatividad melódica y armónica, su patetismo y su grandeza, así como sus asociaciones extramusicales.

  • ¿Cuál es el período temporal en el que se desarrolla el romanticismo musical?
  • Nombra tres compositores románticos.
  • Enumera las características que destacan en este período:

friedrich

 

 

Esta pintura de un caminante solitario de Friedrich (1818), plasma el estado anímico evocado por muchos compositores del romanticismo temprano.

 

 

 

F. Schubert

schubertEl compositor austriaco Franz Schubert (1797-1828) mostró su desbordante talento musical desde la infancia. Sus Lieder (canciones) están entre las obras maestras de este género, y fue sin duda una de las máximas figuras del siglo que le tocó vivir. A pesar de ello, su obra permaneció relativamente desconocida durante su vida, y solo acaparó la atención que merecía décadas después de su muerte.

Audición: Lied “Ständchen”, de “Schwanengesang” (el canto del cisne)

 

  • Intérpretes:  Dietrich Fischer-Dieskau (barítono), Leonard Hokanson (piano)
  • Fíjate en la siguiente “canción” la fuerza y apoyo que da la música al texto. ¿Crees que el texto viene a ser más expresivo o por el contrario pierde fuerza?
  • ¿Qué frase es la más importante a juicio del compositor? ¿Qué es lo que suplica?

Serenata (Schubert)

 

Beneficios y necesidad de la Música

Desde hace milenios, el placer de la música se halla profundamente arraigado en el hombre. Junto a la religión, la música se cuenta entre las necesidades espirituales más primigenias del ser humano. Ni siquiera en nuestro mundo tecnificado se ha atrofiado esta necesidad de música. Aunque la frase de Goethe «… un fenómeno como Mozart sigue siendo un milagro que no tiene mayor explicación» conserva aún su validez, y pese a que no puede aprenderse la percepción de la belleza musical, la forma musical requiere una explicación, del mismo modo que la técnica musical.

La música constituye una forma universal de lenguaje y de cultura. Desde siempre ha estado ligada a la vida del hombre y a sus circunstancias vitales. Por su gran tradición y por la riqueza de su patrimonio, constituido por su propia evolución histórica y cultural debe ser conocido y valorado por todos.

Tiene la música tanta importancia, que no se debe prescindir de ella. Las experiencias de los niños con la música son vivenciadas de tal manera que jugando, imitan, crean y descubren la voz, los sonidos, los instrumentos y el cuerpo. Cuando se ha recibido una adecuada educación musical se potencia la capacidad de razonamiento y el desarrollo lingüístico, se facilita el proceso lecto-escritor, la capacidad creativa, los procesos de socialización, etc.

El sonido y el ritmo de la música influyen en la motricidad y en la sensorialidad; el componente rítmico provoca reacciones motrices, mientras que la melodía está más relacionada con la afectividad. Cuando se percibe y se reconoce la melodía, se desarrolla la memoria. A través de experiencias musicales los niños llegan a los conceptos sobre la música, conceptos que acabarán por convertirse en el soporte funcional y en los materiales necesarios para la construcción de la estructura musical.

Paseo musical: Beethoven (audición: “Allegro con brio” de la quinta sinfonía)

L. v. Beethoven (1770-1827)

Beethoven, el mayor referente de la música occidental, creó el concepto popular de artista, quien, separado de la sociedad, supera la tragedia personal para conseguir su propósito y se convierte en héroe. Él se llamó “poeta del sonido”.

Las batallas de Beethoven por componer fueron duras, y algunas obras las gestó durante años. No obstante, una vez completadas, la mayoría gozaron de un éxito instantáneo. La creciente clase media se deleitaba con su inmediatez, poder y virtuosidad dramática, mientras que la élite cultural quedaba igualmente impresionada por la profunda absorción y posterior mejora de los estilos musicales del siglo XVIII.

Beethoven, el primero en establecer una carrera independiente desde sus comienzos, con su rechazo a servir a mecenas aristocráticos, marcó un cambio radical en el papel de los músicos, que pasaron de meros sirvientes a mediadores culturales independientes, y creó un modelo que siguieron casi todos los músicos posteriores.

· ¿Cuáles son los motivos que le permitieron a Beethoven llegar a ser un artista renombrado?

· ¿Qué períodos podemos observar en su obra? Nombra alguna obra del período “medio”.

· ¿En qué aspecto podemos decir que es un artista romántico?

imageDespués de atravesar una gran crisis que lo empujó casi al suicidio, Beethoven comienza uno de los períodos más creativos, para, como él mismo dijo, ofrecer al mundo “toda la música que llevo dentro”

Audición: “Allegro con brio” de la quinta sinfonía

La Sinfonía nº 5 en do menor Opus 67 de Ludwig van Beethoven fue compuesta entre 1804 y 1808. Esta sinfonía es una de las composiciones más populares y conocidas de la música clásica, y una de las más interpretadas. También es conocida como La Quinta de Beethoven, La Sinfonía del Destino y La Llamada del Destino. Tiene la forma usual de la sinfonía clásica, en cuatro movimientos. Desde su estreno en el Theater an der Wien de Viena el 22 de diciembre de 1808, dirigida por el compositor, la obra adquirió un notorio prestigio.

clip_image001 Intérprete:

clip_image001[1] Estilo:

clip_image001[2] Instrumentación:

clip_image001[3] Tempo:

clip_image001[4] Fíjate en la subdivision de cada pulsación. ¿Qué nombre reciben los compases con subdivisión ternaria? ¿Y los de la binaria?

clip_image001[5] Compás:

clip_image001[6] Forma

Partes

1ª sección

2ª sección

3ª sección

4ª sección

Forma

       

clip_image001[7] A ti, ¿qué te transmite?

 

imagePrimera página del manuscrito de la Quinta Sinfonía, con el famoso motivo “del destino”

Paseo musical: el Clasicismo (Audición: “Andante” del Concierto para piano y orquesta nº 21)

El Clasicismo

Entre 1750 y 1820, compositores como Haydn, Mozart y Beethoven desarrollan un nuevo estilo musical, más simple, cuyas premisas –claridad, moderación y equilibrio- fueron el espejo de los valores artísticos e intelectuales de la época. Como reacción ante la complejidad barroca, con sus complicadas polifonías, contrapuntos y melodías ornamentadas. Los nuevos compositores buscaban un estilo con una melodía simple acompañada de progresiones armónicas.

Varios fueron los aspectos que influyeron en este período: los ideales de la Ilustración, así como la simplicidad y elegancia del arte y arquitectura griegos y romanos antiguos despertaron interés popular, causado en parte por el descubrimiento de las ruinas de Pompeya en 1748. Fue un período de grandes cambios sociales y políticos de la revolución industrial y la colonización, y del surgimiento de una clase media “consumidora” de arte. La aristocracia europea, afectada por las guerras napoleónicas, no podía mantener a los artistas, y el mecenazgo empezó a decaer.

En contraposición a la situación habitual de los músicos considerados como una especie de sirvientes, a medida que los conciertos públicos empezaron a popularizarse, los músicos pudieron ganar dinero con sus interpretaciones y, al publicar sus composiciones, se aseguraban un mayor capital.

Además, con el auge de la música instrumental, los compositores desarrollan formas musicales más ricas (podemos hablar de la fijación la forma sonata, el desarrollo de la sinfonía o la redefinición del concierto para solista y orquesta). Respecto a la ópera, podemos destacar la elección de los temas por su realismo dramático y una música que se escribe para servir al drama más que para decorarlo.

El Palacio de la Granja de San Ildefonso es un ejemplo de la búsqueda del equilibrio clásico en la arquitectura de la época en España

W. A. Mozart (1756-1791)

Probablemente el músico más prodigioso. Sus tempranas giras por Europa le hicieron famoso y lo familiarizaron con los estilos musicales europeos, que después sintetizó en sus obras. Único en la historia de la música gracias a sus logros en todo tipo de géneros y formas, así como por su asombrosa fluidez de composición, fue el primer compositor importante que intentó establecer una carrera musical independiente.

· ¿Cuáles son los máximos “motores” del clasicismo?

· ¿Qué compositores destacan en este periodo?

· ¿Por qué consideras que Mozart es un compositor a tener en cuenta y valorar?

Audición: “Andante” del Concierto para piano y orquesta nº 21

De las innumerables obras que podríamos disfrutar de Mozart, hoy vamos a escuchar el segundo movimiento de uno de los conciertos para piano y orquesta más conocidos del compositor. Vamos a atender en especial a la perfección formal de la obra que, como escucharemos, no es impedimento para una extrema belleza lírica.

clip_image001 Intérprete:

clip_image001[1] Estilo:

clip_image001[2] Instrumentación:

clip_image001[3] Tempo:

clip_image001[4] Fíjate en la subdivision de cada pulsación. ¿Qué nombre reciben los compases con subdivisión ternaria? ¿Y los de la binaria?

clip_image001[5] Compás:

clip_image001[6] Forma

Partes

1ª sección

2ª sección

3ª sección

4ª sección

Forma

       

instrumento

       

John Cage, el hombre que «compuso» el silencio

El 29 de agosto de 1952, el compositor David Tudor se acercó al piano instalado sobre el escenario del Maverick Concert Hall, en Woodstock (Nueva York). La audiencia seguió con los ojos al joven intérprete, que gozaba ya de cierta reputación en la vanguardia musical de Estados Unidos. Se sentó y, cuando todo el mundo esperaba la primera nota, cerró la tapa del piano y permaneció en silencio durante 30 segundos. Después volvió a abrir y cerrar la tapa, como señal de inicio del segundo movimiento, y volvió a quedarse inmóvil otros 2 minutos y 23 segundos, ante el asombro de los asistentes, mucho…

http://www.abc.es/20120208/archivo/abci-john-cage-pieza-silenciosa-201202071414.html

Recital Liszt

En este año rememoramos el bicentenario del nacimiento de uno de los mayores pianistas de la Historia: Ferenc Liszt (1811-1886). Intérprete de gran calidad e impresionante virtuosismo, desarrolló una actividad concertística sorprendente llegando ha recorrer toda Europa y realizando tres recitales por semana en cada lugar. Además, es destacable su producción como compositor, teniendo en su haber algunas de las obras cumbre y más representativas del Romanticismo. Otra de sus facetas es la que desempeñó como pedagogo, impartiendo clases magistrales, muchas veces de forma gratuita.

Uno de los aspectos más destacados de su labor es la concepción estética que pretendió transmitir en sus conciertos y obras: la finalidad que perseguía con la multiplicidad de efectos, variedad de recursos técnicos, juegos tímbricos, contrastes expresivos, pasajes virtuosísticos era la de impactar, producir una impresión en el oyente, de manera que este “golpe” fuera un reflejo de la “belleza”, fuente de esperanza.

En la audición de este trimestre, se va a presentar un recital prácticamente compuesto con obras del compositor, orientadas esta vez hacia la vertiente más lírica. Esperamos que, por la interpretación “con anima” de los alumnos, se produzca este impacto en nosotros.

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Programa de la audición de aula con el Recital de obras de Liszt, interpretada en el Conservatorio Profesional de Müsica “Josep Climent” por los alumnos de Salvador Carbó Montaner.

Hora: 18.30.

Lugar: Auditorio del Conservatorio de Oliva (Valencia)

Paseo musical: el Barroco (audición de “el Verano”, de las cuatro estaciones de Vivaldi)

En el Barroco hay que destacar la aparición y desarrollo de la actual ópera, el crecimiento de la orquesta y el florecimiento de la música instrumental, sobre todo la compuesta para violín y teclado. Hay una preeminencia de los músicos italianos, puesto que multitud de las nuevas tendencias son originadas en Italia. No obstante, al final del período se habían desarrollado estilos nacionales distintivos.

La palabra barroco fue en su origen un término peyorativo para un estilo de arquitectura y arte producido entre finales del siglo XVI y mitad del siglo XVIII, pero cuando lo adoptaron los estudiantes de música, ya había perdido muchas connotaciones negativas.

El período fue de gran creatividad –de Shakespeare y Cervantes en la literatura a Newton y Galileo en las ciencias-. La música también floreció. Hacia 1590 había emergido un nuevo estilo musical que contrastaba con la suntuosa polifonía del Renacimiento: había una voz o instrumento solista por encima de un acompañamiento simple. Es la llamada monodia (“canción” en griego) acompañada o “melodía acompañada”.

Vivaldi

imageAntonio Vivaldi (1678-1741) fue el más admirado de los compositores barrocos italianos y uno de los más prolíficos. Aparte de sus más de 500 conciertos, compuso varias óperas, obras vocales sacras (como su famoso Gloria) y otra gran cantidad de obras instrumentales, mientras su virtuosidad al violín le proporcionaba fama internacional. Como su padre, tenía un intenso pelo rojizo, con lo que le apodaron el “Cura rojo”.

  • ¿Cuál es el origen etimológico de la palabra “Barroco”?
  • ¿Qué periodo comprende?
  • ¿Cuáles son los tres elementos que aparecen en este período de gran creatividad?
  • ¿A qué se debe que a Vivaldi se le apodase como el “Cura rojo”?

Audición: “Las cuatro estaciones”

Estos cuatro conciertos para violín y orquesta forman parte de una colección de doce publicada en Ámsterdam en 1726 con el título El fundamento de la armonía y la invención. A diferencia de la mayoría de sus conciertos, el programa de estos cuatro es muy claro: cada uno va acompañado de un soneto ilustrativo impreso en el libro de partituras del violín principal, con la temática de la correspondiente estación. No se conoce la identidad del autor de estos poemas, aunque se especula que los podría haber escrito el propio Vivaldi. Los conciertos continuaron siendo populares tras la muerte del compositor y actualmente figuran entre los conciertos más grabados e interpretados de la historia.

Karajan conducts Vivaldi
  • Intérprete: Filarmónica de Berlín, Herbert von Karajan
  • Estilo:
  • Instrumentación:
  • Tempo:
  • Compás:
  • ¿Qué carácter tiene la pieza?
  • ¿Cuál es la textura de la pieza que se ha escuchado? ¿Cuántas voces suenan a la vez?
  • A ti, ¿qué te aporta?

 

L’ESTATE (presto)

Ah che pur troppo i suoi timor son veri
Tuona e fulmina il Ciel e grandinoso
Tronca il capo alle spiche e a’ grani alteri.

EL VERANO (3r movimiento-presto)
Sus temores por desgracia son certeros.
Truena y relampaguea el cielo grandioso
tronchando espigas y granos altaneros.

Paseo musical: el canto gregoriano (audición de “Salve Regina”)”

Llamamos canto gregoriano al repertorio musical constituido por cantos que se usan en los oficios litúrgicos de la Iglesia católica romana. La tradición litúrgica de la Iglesia nos ha legado un conjunto de piezas vocales y monódicas compuestas a partir de palabras latinas de los textos sagrados. Por eso, el canto gregoriano ha recibido a menudo el nombre de Biblia cantada. Íntimamente relacionadas con la liturgia, las melodías gregorianas tienen como finalidad ayudar al desarrollo espiritual del hombre para comprender mejor y vivir más intensamente el don de Dios y la coherencia incomparable de le fe cristiana.

En los orígenes del canto gregoriano, se encuentra el repertorio romano compuesto esencialmente durante los siglos V y VI por la schola cantorum.

  • ¿En qué consiste el canto gregoriano?
  • ¿Quiénes eran los encargados de interpretar el llamado “canto llano” en los orígenes de la Iglesia?
  • ¿Cómo se llamaba el Papa que estableció las bases de lo que hoy denominamos canto gregoriano? ¿Alrededor de qué fecha se produjo?
  • ¿Cuáles son los tres elementos que conforman las distintas formas musicales?
  • ¿Qué objetivo pretende el canto gregoriano?

Fragmento de una partitura de canto gregoriano:

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Audición: “Salve Regina”:

Monjes de Notre Dame

  • Estilo:
  • Instrumentación:
  • Tempo:
  • Compás:
  • ¿Qué significa el vocablo “salve”?
  • ¿Cuál es la textura de la pieza que se ha escuchado? ¿Cuántas voces suenan a la vez?
  • A ti, ¿qué te aporta?

Salve Regina

Dios te salve, Reina
y Madre de misericordia,
vida, dulzura y esperanza nuestra;
Dios te salve.
A ti llamamos
los desterrados hijos de Eva;
a ti suspiramos, gimiendo y llorando
en este valle de lágrimas.
Ea, pues, Señora, abogada nuestra,
vuelve a nosotros esos tus ojos
misericordiosos;
y después de este destierro,
muéstranos a Jesús,
fruto bendito de tu vientre.

¡Oh, clementísima, oh piadosa,
oh dulce Virgen María!

Salve, Regina

Salve, Regina,
Mater misericórdiae,
vita, dulcédo et spes nostra,
salve.
Ad te clamámus,
éxsules fílii Eva.
Ad te suspirámus geméntes
et flentes in hac lacrimárum valle.
Eia ergo, advocáta nostra,
illos tuos misericórdes óculos
ad nos convérte.
Et Iesum benedíctum fructum
ventris tui,
nobis, post hoc exsílium, osténde.

O clemens, o pia,
o dulcis Virgo Maríae!

Al principio, el canto gregoriano puede parecer monótono. En verdad, es algo desconcertante para nuestros oídos modernos, acostumbrados a otras músicas quizás más espectaculares, pero a menudo menos profundas. En realidad, el repertorio gregoriano es un mundo complejo que reune varios siglos de la historia de la música. Es un mundo contrastado que va uniendo misteriosamente el entusiasmo casi delirante y la interioridad más delicada. Un mundo de paradojas donde la música se dilata y llega a su perfección en el silencio.